Memes har vanligvis ikke den lengste holdbarheten. Midlertidige superstjerner på Internett som Antoine Dodson og en gang så populære bilder som Scumbag Steve forsvinner i uklarhet og blir erstattet av nyere, mer trendy memes. De er morsomme, og de er disponible. Som en Forever 21-topp: Tre sesonger fra nå kommer du sannsynligvis ikke engang til å huske dem.
Men alt begynner å endre seg - og hvilket bedre eksempel er det enn Grumpy Cat? Den ubehagelige katten forlenget mirakuløst løpet og signerte en filmkontrakt som sier mye mer om tilstanden til underholdningsindustrien enn den gjør om fordelene med Grumpy Cat. Mer fortellende er imidlertid kattens overgang fra meme til vanlig kunst.
Grumpy Cat inspirerte nylig en kunstutstilling med over 30 studioartister som arbeidet med å lage Grumpy Cat-tema kunst, som deretter ble solgt på en auksjon ut av Lowe Mills Art Gallery i Huntsville, Alabama. Auksjonen samlet inn penger til å bygge en lekeplass i området, og noen av kunstverkene befalte imponerende summer, spesielt et malt glassstykke kalt “Sir Grumpsalot” av Judson Portzer.
Denne Grumpy Cat-utstillingen er imponerende for sin grundighet, men det er faktisk ikke den eneste forekomsten av memes som kunstnerens muse. Maleren Lauren Kaelin har et helt prosjekt med malerier inspirert av Internett - og mens hun har sin egen versjon av Grumpy Cat, dekker hun også utallige andre gleder på nettet som Prancercise Lady, Sneezing Panda, Sloth Photo Bomb og I Like Turtles.
Kaelins nettsted viser mange av hennes malerier (som du kan kjøpe utskrifter av her) og forklarer hennes filosofi. Hun kaller prosjektet "Benjamemes" og baserer arbeidet både på Internett og teoretikeren Walter Benjamin.
“Benjamemes tar navnet sitt fra en tysk kunstteoretiker, Walter Benjamin. I Benjamins essay fra 1936 ‘The Art of Art in the Age of Mechanical Reproduction’ tar han for seg den nyfunnte reproduserbarheten og tilgjengeligheten av kunst. Denne demokratiseringen av kunsten fikk Benjamin til å stille spørsmål ved verdien av originalen. En original av kunst, teoretiserte han, hadde en aura, som gjorde opplevelsen av å se originalen unik. Reproduksjoner reduserte verdien av originalens aura. "
“En vellykket meme er per definisjon reproduserbar, delbar og gjenkjennelig. Benjamemes skaper en aura der ingen tidligere eksisterte. ”
Kaelin beskrev hvordan hun kom til memes, og siterte Ikea Monkey som sin første meme-kjærlighet. “Opprinnelig var jeg bare veldig ivrig etter å male Ikea Monkey: Hans isolasjon, hans uttrykk, og mest av alt, jakken hans - alt appellerte virkelig til meg. Da jeg utviklet prosjektet, viste memes seg å være et flott kildemateriale. Det er en skattekiste av tidligere materiale, og nye øving skjer hele tiden. "
Ikke alle memes er skapt like for Kaelin - noen er for vanskelige å gjøre til kunst. “Så langt har jeg fjernet tegnefilmemem, eller memer som er sterkt tekstavhengige. Det er viktig for meg at hver Benjameme står alene som et bilde og til en viss grad er vakker, sier Kaelin. “Så langt har jeg prøvd å male Maru og Rick-Rolled og har hatt det vanskelig med dem. Det endte med at de ikke så ut som stilen min, så jeg la ikke ut dem. Jeg er fast bestemt på å gjøre Rick Astley. En dag."
Ideen om felleseie er en som meme-elskere omfavner.
Kaelins prosjekt angir eksplisitt å fylle memes med en kunstnerisk "aura" - de har til hensikt å heve materialet. Og mens Grumpy Cat-utstillingens intensjoner ikke er like klare, viser kvaliteten på kunstverket at kunstnerne så prosjektet sitt som en verdi av verdi; dette var ikke ren kitsch. De skaper noe med et blunk og nikk, absolutt, men det skal være (og er)bra, interessantkunst også.
Kaelins malerier er absolutt godt utført og av høy kvalitet; den impresjonistiske, kantete stilen har alle merkene av en profesjonell malers arbeid. Hun tar memer og forvandler dem til noe mer.
Og denne memes-as-muse-trenden er ikke begrenset til bare Grumpy Cat-utstillingen og Kaelins kunst. Det er mange gallerier som viser internettbasert kunst. En av de mer fremtredende, Gallery 1988, som refererer til seg selv som verdens fremste destinasjon for popkulturkunst, har kjørt utstillinger som Kaelins malerier passer inn i. En utstilling fra 2012 kalt “Memes” trekker fra lignende kildemateriale, med kunst som skildrer Honey Badger, Hipster Ariel, First World Problems og andre populære internettberøringsstener.
Selvfølgelig er "bra" et helt subjektivt og ofte fulle begrep innen kunsten, og det kan være kritikere som håner valget av emne her - men sannsynligvis ikke så mange som du kanskje tror, siden denne typen kunstverk skylder en gjeld til Andy Warhol og andre popartister som tok det banale og hverdagslige og førte det inn i kunstverdenen.
Disse produksjonene er ikke prippen eller pretensiøse - de er for folket og av folket; demokratisering av kunst uten regler og rikelig med kreativ lisens.
PBS Idea Channel diskuterte nylig ideen om memes som kunst. "Her er en ide - alle som har laget en LOLCat har også laget et kunstverk," sier programleder Mike Rugnetta. “Folk lager bilder og deler dem med fremmede for å kommunisere sine personlige opplevelser? Det, vennene mine, er kunst. ” Selv om han tillater at ikke alle filosofer er enige, bruker Rugnetta uttalelser fra tenkere som Tolstoj og Aristoteles, og går så langt som å argumentere for at Rage Comics legemliggjør Aristoteles idé om kunst som katarsis.
Kommentatorer som Rugnetta og artister som Kaelin gir en sterk argumentasjon for memes som er i stand til å antyde det sublime, selv om Kaelin tar noen ekstra skritt for å isolere de meningsfylte elementene og bruke ferdighetene sine til å heve kildebildene til noe vakrere.
Men dette er ikke en enveiskjørt gate. Memes kan utvide linjen mellom innhold og kunst, men visse brikker som begynner som kunst, kan også ta på seg egenskapene til et meme. For eksempel har mye av Banksys verk - selv om det begynner som gatekunst i smug, på reklametavler og på sidene av bygninger - blitt en stift for bilder fra Internett. Virkningen av kunstverket går ikke tapt i reproduksjonen; det er ment å bli delt, og som Omar Canosa skriver, "Banksys kunstverk uttrykker eksplisitt og gjentatte ganger sin forakt for konseptet med copyright eller kunstnerisk eierskap." Ideen om felleseie er en som meme-elskere omfavner.
For å bringe alt i full sirkel, kan mer tradisjonell kunst også bli et meme - bare se på hva som skjedde med Ecce Homo, den spanske freskoen som begynte som kunst, men etter en latterlig botched restaurering, ble en meme.
Som du kan se, ble de fleste kunstneriske kvaliteter utslettet i restaureringen, og Internett omfavnet raskt kunsttragedien som en meme-storm. Parodi Twitter-kontoer ble opprettet, folk begynte å kalle det "Potet Jesus", og noe som ble kalt Cecilia-prisen ble etablert for å gjenkjenne de mest komiske og oppfinnsomme omfortolkningene av bildet. Kreativiteten var uendelig.
Så i utgangspunktet er Ecce Homo (meme) det motsatte av det Kaelin oppnår med kunstverket sitt. Ecce Homo-meme gjør det beste ut av en situasjon som faktisk er litt trist (ødelagt kunst), men det ville trolig være vanskelig for selv den mest åpensinnede kunstkritikeren å kategorisere noen av oppføringene som kunst, siden intensjonen deres åpenbart er bare en lys vits, og de er egentlig ikke ment å vekke følelser, bare viral, verdig morsomhet.
Memes og internettkultur er grobunn for kunstneriske gnister. Det er mindre åpenbart at memes er kunst på sine egne meritter, men fordi det ikke er noe objektivt kriterium, er det umulig å diskontere dem som kreative, verdifulle digitale gjenstander på et minimum. Disse produksjonene er ikke prippen eller pretensiøse - de er for folket og av folket; demokratisering av kunst uten regler og rikelig med kreativ lisens.
Haterne som ser Lil Bub-utstyr og Nyan Cat-malerier som klebrig gimmicks, vil alltid hate - men de kommer også i økende grad til å finne seg i en verden som nyter og elsker denne "kunsten" ... eller hva du vil kalle det.
